专访2025年《中国插画艺术年鉴》获奖者——邵若菲

插画作为视觉艺术的重要形式，其发展折射着文化传播与艺术创新的潮流。作为中国插画艺术领域的权威年度文献，《中国插画艺术年鉴》立足学术性、专业性与前沿性，系统呈现年度中国优秀插画作品与创作者生态。

 

2025年《中国插画艺术年鉴》呈现出中国插画艺术行业的蓬勃生机与发展潜力。作品层面，实现了主题、风格与应用场景的多元突破；创作者层面，形成了结构合理、多元包容的人才生态；行业层面，呈现出文化传承与国际融合并行、商业应用与艺术创新共生的良好态势；知名度层面，高校参与与国际推广提升了《中国插画艺术年鉴》的影响力。

 

未来，《中国插画艺术年鉴》有望进一步突破边界，在文化传播、商业应用与艺术创新中发挥更大作用，持续向世界展现中国文化的独特魅力与中国插画师的创作实力。

 

今日推出2025年《中国插画艺术年鉴》最佳作品奖获得者邵若菲独家专访报道，以飨读者。

 

 

邵若菲简介

 

邵若菲出生于2003年，自幼学习中国画与书法，同时系统学习彩铅、马克笔、水粉、水彩等多元绘画形式，打下扎实的传统功底与综合美术素养。初中未毕业时，便顺利取得中国美术学院社会美术水平考级A级、B级证书；2021年以综合分专业第一的成绩考入中国美术学院数字媒体艺术专业，本科期间深耕艺术创作与设计实践，先后获得艺术与海洋主题绘画作品大赛优秀奖、英国国际设计大赛团体银奖、第四届ICAD国际当代青年美术设计大赛团体优秀奖、中国插画艺术年鉴2024年度优秀作品奖、BIBF国际插画展短名单入围奖等多项国内外专业荣誉。

 

在校期间，作为中国美术学院艺心协会核心成员与副社长、主美，与指导老师及团队共同推进社团建设，专注以艺术疗愈开展心理关怀与美育实践，研发艺术疗愈课程与美育体系，寒暑假赴河南等地开展乡村美育公益实践，助力青少年心灵成长，协会连续两年入选浙江省校园百强心理健康社团。

 

目前于伦敦艺术大学（UAL）攻读插画专业研究生文凭，创作持续深耕，其间荣获JIA未来艺术家铜奖（JIA Future Artist Bronze Award），并凭借作品摘得2025《中国插画艺术年鉴》最佳作品奖。创作始终聚焦环境保护、妇幼权益等社会议题，关注反儿童家庭暴力及恶性代际传递问题，坚持以温柔而有力量的插画语言，为经历创伤的群体传递心灵慰藉与精神力量，以艺术践行人文关怀。

 

 

《家·锁》（1）

 

插画艺术网：请你介绍一下获奖作品《家·锁》。

 

邵若菲：我的获奖作品《家·锁》是一本围绕儿童家庭暴力主题创作的绘本，它更像是一封写给自己、也写给所有相似经历者的“安魂曲”。故事的主线是一个女孩发现世界被奇形怪状的黑影吞噬，她踏上寻找让世界回归正轨的道路，可当她终于抵达埋藏秘密的终点时，却发现早已看不见家的方向，而那些黑影也悄然消散了。

 

在视觉符号的设计里，我刻意用了很多隐喻：那些张牙舞爪的黑色怪物与影子，是实施家暴的家长的缩影——他们的暴力有时是看得见的推搡与伤害，有时是看不见的言语贬低与精神控制；而那些没有眼睛、沉默伫立的女性影子，则代表了选择装聋作哑、默许暴力发生的长辈，她们或许也曾是受害者，却在麻木中成为了伤害的共犯。我还反复使用了“多层苹果”这一核心意象：苹果外皮鲜红饱满，看起来阳光又美好，可一旦表皮出现裂痕，内里往往早已腐烂发黑。这就像很多被家暴的孩子，在外人面前活泼开朗，内心却早已被看不见的精神暴力啃噬得千疮百孔——肉体的伤痕会愈合，但被否定、被贬低、被忽视的记忆，会像苹果核里的腐坏一样，悄悄蔓延成更隐蔽、更持久的创伤。

 

 

《家·锁》的创作过程

 

这本书的诞生完全源于我自己的人生与亲眼所见：我从小经历过来自家庭的肉体与精神暴力，也亲眼见过身边的孩子被打到需要就医、被长期活在“你很差劲”的贬低里。现在我仍受PTSD困扰，但在创作《家·锁》的过程中，我慢慢学着与过去的自己和解，也终于能平静地回望这段经历。

 

我想借这本书传递一个观点：如今社会越来越关注对妇女的保护，但我们绝不能忽视儿童的处境——很多家暴的受害者不仅是妻子，更是孩子；有些母亲本身是家暴的承受者，却又在失控中将暴力传递给下一代；还有更多长辈用“沉默”和“无视”纵容了伤害的发生。我希望《家·锁》能成为一个出口：让受过伤的孩子知道“你不是一个人”，也让更多人看见，那些藏在“幸福家庭”表皮下的腐烂内核，需要被看见、被听见、被温柔地治愈。

 

 

《家·锁》（2）

 

插画艺术网：你为什么喜欢用插画关注社会议题？

 

邵若菲：我认为插画不只是审美与表达，更是可以抵达人心的语言。我经历过沉默与伤痛，也见过太多不被看见的困境，所以更希望用自己的画笔，把那些隐蔽、脆弱、容易被忽略的群体与议题带到光亮处。无论是儿童保护、反对家庭暴力、关注代际创伤，还是关怀认知障碍群体，对我而言都不是刻意选择的主题，而是发自内心想要诉说与分担。

 

我始终相信，艺术最珍贵的力量是共情与治愈。它可以温和，却足够坚定；可以安静，却拥有回声。我也一直记得自己做艺术疗愈与公益美育时的初心：用创作理解痛苦、拥抱创伤，也用作品提醒更多人，去看见、去倾听、去善待身边的弱者。坚持做社会关怀类的创作，是想为曾经的自己、为有相似经历的人提供一点慰藉与出口，也希望用视觉的力量推动微小的改变。

 

对我来说，画画从来不只是职业与爱好，更是一份责任。我愿意一直以温柔而有立场的创作，传递光亮与善意，让画画真正拥有温度与意义。

 

 

阿兹海默症相关作品《A DAY IN TWO WORLDS》

 

插画艺术网：你觉得UAL的插画研究生教育和国美的插画研究生教育有什么不同？

 

邵若菲：我没有读过国美插画方向的研究生，本科毕业之后就直接申请来到了UAL，所以主要想从国美本科的学习经历和UAL目前阶段的真实体验，和大家分享我的感受。

 

在国美读书的那段时间，给我最直观的感受是教学目标非常明确，执行也特别扎实。学院对基本功的要求很高，不管是理论素养、软件运用还是整个作品完成度，都有很清晰的标准，也正是这种严格的训练，让我打下了很稳的手上功夫，也养成了踏实、自律、能沉下心做作品的习惯。其实我现在在UAL能保持比较靠前的成绩，很大程度上都离不开本科时期打下的扎实基础。

 

 

大学时期与《思辨一切》的作者安东尼·邓恩与菲奥娜·雷比交流项目

 

UAL有非常多校区，每个校区的教学方向以及学习氛围都有巨大差别，所以我只分享我在坎伯韦尔校区学习的经验。这里整体的教育方针会更偏向让学生自主探索、野蛮生长。课程安排很灵活，会有大量的写生、看展、跨专业工作室学习的机会，重心更多放在提升个人的审美意识和创作观念上，而不只是技巧训练。学校的跨学科融合做得非常实在，资源很多，也真正落到了实践里，也需要自己主动去关注、去抓住机会。

 

让我印象最深的一点是，UAL的老师眼光特别敏锐，他们不会只看分数或表面效果，而是能很精准地看出来你到底是为了完成任务而画，还是真的热爱这件事、真的在意你表达的议题，比起“画得好不好”，他们更关心“你为什么要画”。

 

 

在UAL的版画工作室中进行Etching创作

 

对我来说，这两段经历不是对比，而是一路以来最珍贵的两段成长。直到现在，我依然觉得能进入国美学习是我人生里最幸福、最幸运的一件事，没有之一，我非常珍惜那段日子。国美给了我稳稳的技术底气和严谨踏实的学习态度，是我走到今天的根基；而UAL则让我更敢表达、更独立思考，也更清楚自己想用艺术做些什么，这两段教育经历，一个让我站得稳，一个让我走得远，缺一不可。

 

插画艺术网：能给我们分享一下你的最新创作吗？

 

邵若菲：最近我在推进两个全新的创作项目，它们都延续了我用艺术关注社会议题的创作初心，一个聚焦于认知障碍群体的生活处境，另一个则是将反家暴的声音延伸到公共空间。

 

 

聚焦阿兹海默症关怀的新短篇《A DAY IN TWO WORLDS》

 

第一个项目是一本关于认知障碍（阿兹海默症）群体关怀的短篇绘本，灵感来源于播客《99% Invisible》中介绍荷兰霍赫韦克适老化社区的一期节目。为了呼应认知障碍患者认知碎片化、记忆逐渐模糊的状态，我化用了毕加索与保罗·克利的艺术语言，用几何解构、线条破碎且视觉无序的图形来刻画人物面孔与他们感知中的世界——那些错位的形状、跳跃的色块，就像患者眼中不断崩塌又试图重组的现实，让观者能直观感受到认知混乱带来的不安与迷茫。我特意用蓝、黄两种主色调做视觉对比：冷蓝色调代表多数患者在居家生活中被限制、孤独的困境，暖黄色调则对应霍赫韦克社区里自由、有尊严的生活场景，希望通过这种强烈的视觉反差，让更多人看见适老化关怀的重要性，也推动大家去关注这个容易被忽视的群体。

 

 

UAL墙绘项目方案

 

第二个项目是我非常荣幸获得的UAL Camberwell Pekham校区公共墙绘创作机会，这也是我第一次将《家·锁》的创作内核延伸到公共艺术领域。这幅设计稿脱胎于本次年鉴获奖作品里的《瘀伤拼图》篇章，我在保留核心情感符号的基础上，对画面语言和视觉元素做了重构：弱化了绘本的叙事性，强化了抽象感与视觉冲击力，让它更适配公共空间的传播属性。对我而言，画画从来不只是个人表达的艺术形式，更是一种承担社会责任的媒介——我希望把“关注儿童保护、反对家庭暴力”的声音从书页里带到现实空间，让每一个路过的人都能看见这些被隐藏的创伤，也让更多人意识到，保护孩子、终止暴力，是我们每个人都可以参与的公共议题。

 

插画艺术网：有没有什么经验可以给我们插画师分享的？

 

邵若菲：首先，“看”比“画”更重要。我会花大量时间去看各类展览——不仅是插画、平面作品，装置艺术、时装秀、文物展、行为艺术，甚至是新生物材料的实验展，我都会去逛、去拆解。就像我的大学除了艺术史，还会教生物学、战争史，校训里那句“像哲人一样思考，像匠人一样劳作”，我一直记在心里。看的时候不要只停留在“好看”或“不好看”，要去追问：这个艺术家为什么用这种媒介？配色背后藏着什么情绪？构图为什么要这样安排？成功拆解并吸收一位艺术家的创作逻辑，往往比闷头画几十张练习更有效。

 

 

日常写生练习

 

其次，反复练习。我习惯用三本速写本做阶梯式练习：第一本是纯粹的临摹，不加入任何个人想法，只专注复刻——仔细记录媒介的特性、配色的逻辑、构图的节奏，哪怕是一根线条的走向都要抠透，很多只靠眼睛学不到的细节，会在动手的过程中突然懂了；第二本是“过渡本”，比如我喜欢弗朗西斯·皮卡比亚，就先用他的风格画自己的主题，再用自己的语言画他的构图，在这种“互换”里慢慢把别人的东西嚼碎、变成自己的；第三本才是完全的原创，这里可能会很乱，会有无数被推翻的草稿、失败的色彩实验，但正是这些“不好看”的尝试，才为最终的成稿铺好了路。枯燥是难免的，但每一笔都在为你的表达攒力气。

 

 

分析笔记

 

最后，永远别丢了热爱和初心，记得感恩身边的人。我常被别人笑太天马行空，但我最喜欢的两句话一直是“为中华之崛起而读书”和“为万世开太平”。艺术从人类诞生起就陪伴着我们，它从来不是孤芳自赏的游戏，画画的人也可以用自己的方式给世界带来爱和希望。不管走多远，都别忘了最初拿起画笔的那份冲动，也别忘了那些在你迷茫时拉你一把的人——家人、老师、朋友，甚至是素未谋面的读者，他们都是你创作路上的光。保持温柔，保持锋利，保持对世界的好奇，比任何技巧都更珍贵。

 

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